Tiyatro

Saat yönünde, soldan sağa:

• Sarah Bernhardt 1899'da Shakespeare'in aynı adlı trajedisinde Hamlet rolünde
• Batıya Yolculuk filmindeki Pekin operasında Sun Wukong karakteri
• Koothu, erken Tamilakam döneminde ortaya çıkan eski bir Hint gösteri sanatı biçimi ⓘ

Tiyatro veya tiyatro, gerçek veya hayali bir olayın deneyimini belirli bir yerde, genellikle bir sahnede, canlı bir seyirci önünde sunmak için canlı sanatçıları, genellikle aktörleri veya aktrisleri kullanan işbirlikçi bir performans sanatı biçimidir. Sanatçılar bu deneyimi jest, konuşma, şarkı, müzik ve dans kombinasyonlarıyla seyirciye aktarabilir. Boyanmış dekor gibi sanat unsurları ve ışıklandırma gibi sahne teknikleri, deneyimin fizikselliğini, varlığını ve dolaysızlığını artırmak için kullanılır. Performansın özel mekânı da Antik Yunanca θέατρον (théatron, "seyir yeri") kelimesinden türetilen ve kendisi de θεάομαι (theáomai, "görmek", "izlemek", "gözlemlemek") anlamına gelen "tiyatro" kelimesiyle adlandırılır. ⓘ

Modern Batı tiyatrosu, büyük ölçüde, teknik terminolojisini, türlere göre sınıflandırmasını ve birçok temasını, stok karakterlerini ve olay örgüsü unsurlarını ödünç aldığı antik Yunan tiyatrosundan gelmektedir. Tiyatro sanatçısı Patrice Pavis, teatralliği, teatral dili, sahne yazımını ve tiyatronun özgüllüğünü, tiyatroyu diğer sahne sanatlarından, edebiyattan ve genel olarak sanattan ayıran eşanlamlı ifadeler olarak tanımlar. ⓘ

Modern tiyatro, oyun ve müzikal tiyatro performanslarını içerir. Bale ve opera sanat formları da tiyatrodur ve oyunculuk, kostüm ve sahneleme gibi birçok konvansiyonu kullanır. Müzikal tiyatronun gelişiminde etkili olmuşlardır; daha fazla bilgi için bu makalelere bakınız. ⓘ

Bir tiyatro gösterisinden görüntü
(Moskova Maly Tiyatrosu'nda Bir Evlenme Teklifi adlı tiyatro oyunu) ⓘ

Sock ve Buskin maskeleri ⓘ

Tiyatro, bir sahnede, seyirciler önünde oyuncuların sergilemesi amacıyla hazırlanmış gösterilerdir. Farklı bir şekilde duyguların ve olayların hareket (jest) ve konuşmalarla anlatılmasıdır. Genel olarak temsil edilen eser anlamında da kullanılır. ⓘ

Tiyatro, bir sahne sanatıdır. Tiyatro eseri, olayları oluş yoluyla gösterir. Bu yönüyle konuşma ve eyleme dayanan bir gösteri sanatı olarak da tanımlanabilir. Yaygın bir deyişle tiyatro; insanı, insana, insanla, insanca anlatma sanatı olarak Shakespeare'in sözüyle de ifade edilir. ⓘ

Tiyatro eserinin diğer türlerden en önemli farkı; diğer edebî eserler okumak ve dinlemek için yazılmışken, tiyatro oyununun sahnede seyirci önünde oynanmasıdır. Değer ölçülerini, izleyenin kanaat ve anlayışlarından alır. Göze görünür bir karaktere sahip olması, canlı olarak meydana geliş niteliğiyle toplum psikolojisine hitap eder. Temsil yeri ve eser, tiyatronun edebiyat ögesidir. Bu edebiyat ögesi yanında tiyatro kavramı içinde; oyunculuk, sahne düzeni, ışıklandırma, dekor, kostüm, müzik gibi unsurların bütünlüğü söz konusudur. ⓘ

Tiyatro metinlerine "oyun", metinleri yazan kişiye oyun yazarı (müellif) ve oyunu sahnede canlandıran kişilere ”oyuncu” (ya da daha genel olarak tiyatrocu) denir. Ayrıca eserin sahnelenmesinde görev alan sahne amiri, dekor ve kostüm sorumlusu, ışıkçı, suflör gibi diğer yardımcı elemanlar da vardır. ⓘ

Tiyatro tarihi

Klasik ve Helenistik Yunanistan

Taormina, Sicilya, İtalya'daki Yunan tiyatrosu ⓘ

Bir Yunan phlyax oyununda efendi (sağda) ve köle (solda) rollerini oynayan oyuncuların tasviri, MÖ 350/340 civarı ⓘ

Atina şehir devleti, Batı tiyatrosunun ortaya çıktığı yerdir. Klasik Yunanistan'da festivaller, dini ritüeller, siyaset, hukuk, atletizm ve jimnastik, müzik, şiir, düğünler, cenazeler ve sempozyumları içeren daha geniş bir teatrallik ve performans kültürünün bir parçasıydı. ⓘ

Şehir devletinin birçok festivaline katılım ve özellikle de Şehir Dionysia'sına izleyici olarak (hatta tiyatro oyunlarına katılımcı olarak) zorunlu katılım vatandaşlığın önemli bir parçasıydı. Yurttaşlık katılımı aynı zamanda, her ikisi de tiyatroya benzer olarak anlaşılan ve giderek onun dramatik söz dağarcığını özümsemeye başlayan hukuk mahkemesi veya siyasi meclisteki performanslarda kanıtlanan hatiplerin retoriğinin değerlendirilmesini de içeriyordu. Yunanlılar aynı zamanda dramatik eleştiri ve tiyatro mimarisi kavramlarını da geliştirmişlerdir. Oyuncular ya amatör ya da en iyi ihtimalle yarı profesyoneldi. Antik Yunan tiyatrosu üç tür dramadan oluşuyordu: trajedi, komedi ve satir oyunu. ⓘ

Tiyatronun ilk kuramcısı Aristoteles'e (MÖ 384-322) göre Antik Yunan'da tiyatronun kökenleri Dionysos onuruna düzenlenen festivallerde yatmaktadır. Gösteriler, 10.000-20.000 kişinin oturabileceği, yamaçlara oyulmuş yarım daire şeklindeki oditoryumlarda yapılırdı. Sahne bir dans pisti (orkestra), soyunma odası ve sahne inşa alanından (skene) oluşuyordu. Sözler en önemli kısım olduğu için, iyi bir akustik ve net bir sunum çok önemliydi. Oyuncular (her zaman erkekler) temsil ettikleri karakterlere uygun maskeler takarlardı ve her biri birden fazla rol oynayabilirdi. ⓘ

Tragedyanın günümüze ulaşan en eski biçimi olan Atina tragedyası, şehir devletinin tiyatro kültürünün önemli bir parçasını oluşturan bir dans-drama türüdür. M.Ö. 6. yüzyılda ortaya çıkmış, M.Ö. 5. yüzyılda çiçek açmış (bu yüzyılın sonundan itibaren Yunan dünyasına yayılmaya başlamıştır) ve Helenistik dönemin başlarına kadar popülerliğini sürdürmüştür. ⓘ

M.Ö. 6. yüzyıla ait hiçbir tragedya ve M.Ö. 5. yüzyılda sahnelenen binden fazla tragedyadan sadece 32 tanesi günümüze ulaşmıştır. Elimizde Aeschylus, Sophokles ve Euripides'e ait eksiksiz metinler bulunmaktadır. Tragedyanın kökenleri belirsizliğini korumakla birlikte, M.Ö. 5. yüzyılda Dionysos'un (şarap ve bereket tanrısı) kutlandığı şenliklerin bir parçası olarak düzenlenen yarışmalarda (agon) kurumsallaşmıştır. Şehir Dionysia'sının (tiyatro sahnelemek için düzenlenen festivallerin en prestijlisi) yarışmacıları olarak oyun yazarlarının, genellikle üç tragedya ve bir satir oyunundan oluşan bir oyun tetralojisi sunmaları gerekiyordu (ancak bireysel eserler mutlaka hikaye veya tema ile bağlantılı değildi). Tragedyaların Şehir Dionysia'sında sergilenmesi MÖ 534 gibi erken bir tarihte başlamış olabilir; resmi kayıtlar (didaskaliai) satir oyununun tanıtıldığı MÖ 501'den itibaren başlar. ⓘ

Atina tragedyalarının çoğu Yunan mitolojisindeki olayları dramatize eder, ancak Perslerin M.Ö. 480'de Salamis Savaşı'ndaki askeri yenilgi haberlerine verdikleri tepkiyi sahneleyen Persler, günümüze ulaşan dramalar arasında dikkate değer bir istisnadır. Aeschylus M.Ö. 472'de Şehir Dionysia'sında birincilik ödülünü kazandığında 25 yıldan fazla bir süredir trajediler yazıyordu, ancak yakın tarihi trajik bir şekilde ele alması günümüze ulaşan en eski drama örneğidir. Aradan 130 yıldan fazla bir süre geçtikten sonra, filozof Aristoteles 5. yüzyıl Atina tragedyasını günümüze ulaşan en eski dramatik teori eseri olan Poetika'sında (MÖ 335 civarı) analiz etmiştir. ⓘ

Atina komedyası geleneksel olarak "Eski Komedya", "Orta Komedya" ve "Yeni Komedya" olmak üzere üç döneme ayrılır. Eski Komedya büyük ölçüde Aristophanes'in günümüze ulaşan on bir oyunu şeklinde günümüze ulaşırken, Orta Komedya büyük ölçüde kaybolmuştur (sadece Naucratisli Athenaeus gibi yazarlarda nispeten kısa parçalar halinde korunmuştur). Yeni Komedya ise esas olarak Menander'in önemli papirüs parçalarından bilinmektedir. Aristoteles komediyi, acı ya da felakete neden olmayan bir tür hata ya da çirkinlik içeren gülünç insanların temsili olarak tanımlamıştır. ⓘ

Şehir Dionysia'sında komedi ve tragedya kategorilerine ek olarak festivalde Satir Oyunu da yer alırdı. Kökenlerini Dionysos'a adanmış kırsal, tarımsal ritüellerde bulan satir oyunu, sonunda en bilinen haliyle Atina'ya ulaşmıştır. Satirler, Tanrı Dionysos'un sadık orman arkadaşları olarak ona bağlıydılar ve genellikle onun yanında sarhoş eğlenceleri ve yaramazlıklar yaparlardı. Satir oyununun kendisi trajikomedi olarak sınıflandırılmış ve yirminci yüzyılın başlarındaki daha modern burlesk geleneklerinin tarafında yer almıştır. Oyunların olay örgüsü tipik olarak Tanrılar panteonunun ilişkileri ve Satirler korosunun desteğiyle insan işlerine karışmalarıyla ilgiliydi. Ancak Webster'a göre, satir oyuncuları her zaman tipik satir eylemlerini gerçekleştirmez ve efsanevi bir orman yaratığı karakterine atfedilen oyunculuk geleneklerinden ayrılırlardı. ⓘ

Roma tiyatrosu

Bir oyundaki maskeli oyuncuları tasvir eden mozaik: iki kadın bir "cadıya" danışıyor ⓘ

Batı tiyatrosu Romalılar döneminde önemli ölçüde gelişmiş ve genişlemiştir. Romalı tarihçi Livy, Romalıların tiyatroyu ilk kez M.Ö. 4. yüzyılda Etrüsk oyuncuların bir performansıyla deneyimlediklerini yazmıştır. Beacham, Romalıların kaydedilen bu temastan bir süre önce "tiyatro öncesi uygulamalara" aşina olduklarını ileri sürmektedir. Antik Roma tiyatrosu, sokak tiyatrosu, çıplak dans ve akrobasi gibi festival gösterilerinden Plautus'un geniş kitlelere hitap eden durum komedilerinin sahnelenmesine ve Seneca'nın yüksek üsluplu, sözel olarak ayrıntılı trajedilerine kadar uzanan, gelişen ve çeşitlilik gösteren bir sanat biçimiydi. Roma'nın yerel bir performans geleneği olmasına rağmen, M.Ö. 3. yüzyılda Roma kültürünün Helenleşmesi Roma tiyatrosu üzerinde derin ve enerji verici bir etki yaratmış ve sahne için en yüksek kalitede Latin edebiyatının gelişmesini teşvik etmiştir. Roma İmparatorluğu'ndan günümüze ulaşan tek oyun, Corduba doğumlu Stoacı filozof ve Nero'nun hocası Lucius Annaeus Seneca'ya (M.Ö. 4-M.S. 65) atfedilen on dramadır. ⓘ

Hint tiyatrosu

Rakshasa ya da Hindistan'da bir müzikli dans-drama türü olan Yakshagana'da tasvir edilen iblis ⓘ

Hint tiyatrosunun ilk biçimi, günümüze ulaşan en eski parçaları MS 1. yüzyıla ait olan Sanskrit tiyatrosudur. Yunan ve Roma tiyatrosunun gelişiminden sonra ve Asya'nın diğer bölgelerinde tiyatronun gelişiminden önce başlamıştır. M.Ö. 2. yüzyıl ile M.S. 1. yüzyıl arasında ortaya çıkmış ve Hindistan tarihinde yüzlerce oyunun yazıldığı göreceli bir barış dönemi olan M.S. 1. yüzyıl ile 10. yüzyıl arasında gelişmiştir. Daha önceki dönemlere ait arkeolojik kanıtların zenginliği, bir tiyatro geleneğinin varlığına dair hiçbir gösterge sunmamaktadır. Antik Vedalar (M.Ö. 1500 ile 1000 yılları arasında yazılan ve dünyanın en eski edebiyat örnekleri arasında yer alan ilahiler) bu konuda hiçbir ipucu içermez (az sayıda diyalog şeklinde yazılmış olsa da) ve Vedik dönem ritüellerinin tiyatroya dönüştüğü görülmez. Patañjali'nin Mahābhāṣya'sı Sanskrit dramasının tohumları olabilecek en eski referansı içerir. MÖ 140 yılına ait bu gramer incelemesi, Hindistan'da tiyatronun başlangıcı için uygun bir tarih sunar. ⓘ

Sanskrit tiyatrosu için en önemli kanıt kaynağı, yazılış tarihi kesin olmayan (tahminler MÖ 200 ile MS 200 arasında değişmektedir) ve yazarı Bharata Muni'ye atfedilen bir derleme olan Tiyatro Üzerine Bir İnceleme'dir (Nātyaśāstra). İnceleme, antik dünyadaki en eksiksiz dramaturji çalışmasıdır. Oyunculuk, dans, müzik, dramatik yapı, mimari, kostüm, makyaj, sahne donanımı, kumpanyaların organizasyonu, seyirci, yarışmalar konularını ele alır ve tiyatronun kökenine dair mitolojik bir açıklama sunar. Bunu yaparken, gerçek tiyatro uygulamalarının doğası hakkında göstergeler sağlar. Sanskrit tiyatrosu, [kalıtsal bir süreçte] gerekli beceriler (dans, müzik ve okuma) konusunda eğitilmiş rahipler tarafından kutsal topraklarda icra edilirdi. Amacı hem eğitmek hem de eğlendirmekti. ⓘ

Sanskrit tiyatrosunun Koodiyattam formunda Sugriva'yı oynayan oyuncu ⓘ

Kraliyet saraylarının himayesi altındaki sanatçılar, aynı zamanda oyunculuk da yapmış olabilecek bir sahne yöneticisi (sutradhara) tarafından yönetilen profesyonel topluluklara aitti. Bu görevin bir kuklacınınkine benzer olduğu düşünülürdü - "sutradhara "nın kelime anlamı "ipleri veya ipleri tutan" demektir. İcracılar ses ve fiziksel teknik konusunda titizlikle eğitilirdi. Kadın icracılara karşı herhangi bir yasak yoktu; kumpanyalar tamamen erkek, tamamen kadın ve karışık cinsiyetten oluşuyordu. Ancak bazı duyguların erkekler tarafından canlandırılması uygun görülmez ve kadınlara daha uygun olduğu düşünülürdü. Bazı oyuncular kendi yaşlarındaki karakterleri canlandırırken, diğerleri kendilerinden farklı yaşlardaki (genç ya da yaşlı) karakterleri canlandırıyordu. Tiyatronun tüm unsurları arasında en çok dikkati oyunculuğa (abhinaya) veren Risale, iki tarzdan oluşur: gerçekçi (lokadharmi) ve geleneksel (natyadharmi), ancak asıl odak noktası ikincisidir. ⓘ

Draması Sanskrit edebiyatının en yüksek başarısı olarak kabul edilir. Kahraman (nayaka), kadın kahraman (nayika) veya palyaço (vidusaka) gibi stok karakterler kullanmıştır. Aktörler belirli bir tipte uzmanlaşmış olabilir. M.Ö. 1. yüzyılda yaşamış olan Kālidāsa, tartışmasız olarak antik Hindistan'ın en büyük Sanskrit dram yazarı olarak kabul edilir. Kālidāsa'nın yazdığı üç ünlü romantik oyun Mālavikāgnimitram (Mālavikā ve Agnimitra), Vikramuurvashiiya (Vikrama ve Urvashi ile İlgili) ve Abhijñānaśākuntala'dır (Shakuntala'nın Tanınması). Sonuncusu Mahabharata'daki bir hikâyeden esinlenmiştir ve en ünlüsüdür. İngilizce ve Almancaya çevrilen ilk eserdir. Śakuntalā (İngilizce çevirisinde) Goethe'nin Faust'unu (1808-1832) etkilemiştir. ⓘ

Bir sonraki büyük Hint dram yazarı Bhavabhuti'dir (MS 7. yüzyıl civarı). Aşağıdaki üç oyunu yazdığı söylenir: Malati-Madhava, Mahaviracharita ve Uttar Ramacharita. Bu üç oyundan son ikisi Ramayana destanının tamamını kapsamaktadır. Güçlü Hint imparatoru Harsha'nın (606-648) üç oyun yazdığı kabul edilir: komedi Ratnavali, Priyadarsika ve Budist dram Nagananda. ⓘ

Doğu Asya tiyatrosu

Jade Dragon Kar Dağı Açık Hava Tiyatrosu'nda halka açık performans ⓘ

Tang Hanedanlığı bazen "1000 Eğlence Çağı" olarak da bilinir. Bu dönemde Ming Huang, öncelikle müzikal olan bir drama biçimi üretmek için Armut Bahçesi olarak bilinen bir oyunculuk okulu kurdu. Bu nedenle oyunculara genellikle "Armut Bahçesinin Çocukları" denir. İmparatoriçe Ling'in hanedanlığı döneminde gölge oyunu ilk kez Çin'de tanınan bir tiyatro biçimi olarak ortaya çıktı. Gölge kuklasının Pekin (kuzey) ve Kanton (güney) olmak üzere iki farklı biçimi vardı. Bu iki tarz, kuklalar tarafından oynanan oyunun türünden ziyade, kuklaların yapım yöntemi ve kuklaların üzerindeki çubukların konumlandırılmasıyla farklılaşıyordu. Her iki tarz da genellikle büyük macera ve fantezileri tasvir eden oyunlar sergilemiş, bu çok stilize tiyatro biçimi nadiren siyasi propaganda için kullanılmıştır. ⓘ

Kabuki, Nō ve Kyōgen'in Japon biçimleri MS 17. yüzyılda gelişmiştir. ⓘ

Kanton gölge kuklaları bunların en büyükleriydi. Daha sağlam gölgeler yaratan kalın deri kullanılarak inşa edilirlerdi. Sembolik renkler de çok yaygındı; siyah bir yüz dürüstlüğü, kırmızı bir yüz ise cesareti temsil ediyordu. Kanton kuklalarını kontrol etmek için kullanılan çubuklar kuklaların kafalarına dik olarak tutturulurdu. Böylece gölge yaratıldığında seyirciler tarafından görülmezlerdi. Pekin kuklaları daha narin ve küçüktü. İnce, yarı saydam deriden (genellikle bir eşeğin karnından alınırdı) yapılırlardı. Canlı boyalarla boyanır, böylece çok renkli bir gölge oluştururlardı. Hareketlerini kontrol eden ince çubuklar kuklanın boynundaki deri bir tasmaya takılırdı. Çubuklar kuklanın gövdesine paralel olarak uzanıyor, sonra doksan derecelik bir açıyla dönerek boyuna bağlanıyordu. Gölge oluşturulduğunda bu çubuklar görülebiliyor olsa da, kuklanın gölgesinin dışında kalıyorlardı; böylece figürün görünümüne müdahale etmiyorlardı. Çubuklar, bir gövdeyle birden fazla başın kullanılmasını kolaylaştırmak için boyunlara takılıyordu. Kafalar kullanılmadıkları zamanlarda bir muslin kitapta ya da kumaş kaplı bir kutuda saklanırdı. Başlar her zaman geceleri çıkarılırdı. Bu, sağlam bırakılırsa kuklaların geceleri canlanacağına dair eski batıl inanca uygundu. Bazı kuklacılar, kuklaların yeniden canlanma olasılığını daha da azaltmak için kafaları bir kitapta, gövdeleri ise başka bir kitapta saklayacak kadar ileri giderlerdi. Gölge kuklacılığının, hükümetin bir aracı haline gelmeden önce on birinci yüzyılda sanatsal gelişiminin en yüksek noktasına ulaştığı söylenir. ⓘ

Song hanedanlığında akrobasi ve müzik içeren birçok popüler oyun vardı. Bunlar Yuan hanedanlığı döneminde dört ya da beş perdelik bir yapıya sahip olan ve zaju olarak bilinen daha sofistike bir forma dönüşmüştür. Yuan tiyatrosu Çin'in dört bir yanına yayılmış ve en bilinenlerinden biri bugün hala popüler olan Pekin Operası olan çok sayıda bölgesel forma dönüşmüştür. ⓘ

Xiangsheng, monolog veya diyalog biçimindeki belirli bir geleneksel Çin komedi performansıdır. ⓘ

Endonezya tiyatrosu

Prambanan tapınak kompleksi yakınlarındaki Wayang Wong performansında Rama ve Shinta ⓘ

Endonezya'da tiyatro gösterileri yerel kültürün önemli bir parçası haline gelmiştir, Endonezya'da tiyatro gösterileri binlerce yıldır geliştirilmektedir. Endonezya'nın en eski tiyatro formlarının çoğu doğrudan yerel edebi geleneklerle (sözlü ve yazılı) bağlantılıdır. Sundanalıların wayang golek (tahta çubuk-kukla oyunu) ve Cava ve Bali'nin wayang kulit (deri gölge-kukla oyunu) gibi önde gelen kukla tiyatroları, repertuarlarının çoğunu Ramayana ve Mahabharata'nın yerlileştirilmiş versiyonlarından alır. Bu masallar aynı zamanda Cava ve Bali'de oyuncuların kullanıldığı wayang wong (insan tiyatrosu) için de kaynak malzeme sağlamaktadır. Ancak bazı wayang golek gösterilerinde menak adı verilen Müslüman hikayeleri de sunulmaktadır. Wayang, ayrıntılı kukla/insan ve karmaşık müzik tarzlarıyla tanınan eski bir hikaye anlatma biçimidir. En eski kanıtlar MS 1. binyılın sonlarına, ortaçağ dönemi metinlerine ve arkeolojik alanlara aittir. Wayang ile ilgili bilinen en eski kayıt ise 9. yüzyıla aittir. MS 840 civarında Orta Cava'daki Maharaja Sri Lokapalaform Medang Krallığı tarafından yayınlanan Jaha Yazıtları adlı Eski Cava (Kawi) yazıtlarında üç tür oyuncudan bahsedilmektedir: atapukan, aringgit ve abanol. Aringgit Wayang kukla gösterisi, Atapukan Maske dansı gösterisi ve abanwal şaka sanatı anlamına gelir. Ringgit, 11. yüzyıla ait bir Cava şiirinde deri bir gölge figürü olarak tanımlanmaktadır. ⓘ

Ortaçağ İslam gelenekleri

Ortaçağ İslam dünyasında tiyatro, kukla tiyatrosunu (el kuklaları, gölge oyunları ve kukla yapımlarını içeren) ve oyuncuların Müslüman tarihinden bölümleri yeniden canlandırdığı ta'ziya olarak bilinen canlı tutku oyunlarını içeriyordu. Özellikle Şii İslami oyunlar, Ali'nin oğulları Hasan ibn Ali ve Hüseyin ibn Ali'nin şehadeti etrafında dönüyordu. Laik oyunlar, kukla ve ta'ziye tiyatrosundan daha az yaygın olmalarına rağmen, ortaçağ adab edebiyatında kaydedilen akhraja olarak bilinirdi. ⓘ

Batı'da erken modern ve modern tiyatro

Tiyatro, 15. ve 19. yüzyıllar arasında Batı'da commedia dell'arte ve melodram da dahil olmak üzere birçok alternatif biçim almıştır. Genel eğilim, Yunanlıların ve Rönesans'ın şiirsel dramından uzaklaşarak, özellikle Sanayi Devrimi'ni takiben daha doğalcı bir düzyazı diyalog tarzına doğru olmuştur. ⓘ

Kraliyet Tiyatrosu, West End'deki Drury Lane. Mayıs 1663'te açılan bu tiyatro Londra'daki en eski tiyatrodur. ⓘ

İngiltere'de 1642 ve 1660 yılları arasında Püriten Interregnum nedeniyle tiyatro büyük bir duraklama yaşadı. Tiyatroyu günah olarak gören Püritenler, 1642 yılında Londra tiyatrolarının kapatılmasını emretti. Oyuncular 24 Ocak 1643'te mesleklerinin susturulması ve çeşitli oyun salonlarından sürgün edilmeleri üzerine The Actors remonstrance or complaint for their profession, and banishment from their severall play-houses başlıklı bir broşür yazarak yasağı protesto ettiler. Bu durgun dönem, 1660 yılında Charles II'nin Restorasyon ile tahta geri dönmesiyle sona erdi. Charles'ın saltanatından önceki yıllarda Fransa'da sürgünde olması nedeniyle Fransız kültüründen etkilenen tiyatro (diğer sanatların yanı sıra) patlama yaptı. ⓘ

1660 yılında Dük Kumpanyası ve Kral Kumpanyası olmak üzere iki kumpanyaya gösteri yapma izni verildi. Gösteriler Lisle's Tennis Court gibi dönüştürülmüş binalarda yapılıyordu. Londra Covent Garden'daki Theatre Royal olarak bilinen ilk West End tiyatrosu Thomas Killigrew tarafından tasarlandı ve şimdiki Theatre Royal, Drury Lane'in yerine inşa edildi. ⓘ

En büyük değişikliklerden biri de yeni tiyatro binasıydı. Elizabeth döneminin Globe Tiyatrosu gibi, oyuncuların bir sonraki perdeye gerçekten hazırlanabilecekleri bir yerin olmadığı ve "tiyatro adabının" bulunmadığı yuvarlak tipler yerine, tiyatro binası, önünde bir sahne ve ona bakan stadyum oturma yerleri ile zarif bir yere dönüştü. Oturma yerleri artık sahnenin etrafını çepeçevre sarmadığı için öncelikli hale geldi - bazı koltukların diğerlerinden daha iyi olduğu açıktı. Kral salonun en iyi koltuğuna sahipti: tiyatronun tam ortası, sahneyi en geniş şekilde görebilmenin yanı sıra sahnenin etrafında inşa edildiği bakış açısını ve ufuk noktasını da en iyi şekilde görebiliyordu. Philippe Jacques de Loutherbourg, zemin alanı ve dekor kullanımı nedeniyle dönemin en etkili set tasarımcılarından biriydi. ⓘ

Bu dönemden önceki kargaşa nedeniyle, sahneye neyin konulup neyin konulmaması gerektiği konusunda hala bazı tartışmalar vardı. Bir vaiz olan Jeremy Collier, A Short View of the Immorality and Profaneness of the English Stage adlı eseriyle bu hareketin başını çekenlerden biri oldu. Bu makaledeki inançlar çoğunlukla tiyatroya gitmeyenler ile Püritenlerin geri kalanı ve zamanın çok dindarları tarafından benimsenmiştir. Ana soru, sahnede ahlaka aykırı bir şey görmenin onu izleyenlerin hayatlarındaki davranışları etkileyip etkilemediğiydi ki bu bugün hala devam eden bir tartışmadır. ⓘ

1829'da bir İngiliz tiyatrosunun faturası ⓘ

On yedinci yüzyıl, daha önce uygunsuz olduğu düşünülen kadınları da sahneye çıkarmıştı. Bu kadınlar ünlü olarak görülüyordu (Rönesans Hümanizminin ardından ortaya çıkan bireycilik fikirleri sayesinde daha yeni bir kavram), ancak diğer yandan sahnede olmaları hala çok yeni ve devrimciydi ve bazıları onların kadınsı olmadığını söylüyor ve onları küçümsüyordu. Charles II genç erkeklerin genç kadın rollerini oynamasından hoşlanmıyordu, bu yüzden kadınlardan kendi rollerini oynamalarını istedi. Kadınların sahneye çıkmasına izin verildiği için, oyun yazarları, kadınların erkek gibi giyinmesi ve komedi biçimi olarak ahlaki açıdan yapışkan durumlardan kıl payı kurtulmaları gibi olay örgüsü kıvrımlarında daha fazla hareket alanına sahip oldular. ⓘ

Komediler gençlerle doluydu ve çok modaydı, hikayeleri aşk hayatlarını takip ediyordu: genellikle genç ve çapkın bir kahraman, Sheridan'ın Skandal Okulu'nda olduğu gibi, oyunun sonuna doğru iffetli ve özgür fikirli kadın kahramana aşkını itiraf ediyordu. Komedilerin birçoğu, başta Molière olmak üzere Fransız geleneğinden esinlenilerek yazılmıştır ve yine Kral ve Kraliyet ailesinin sürgünden sonra geri getirdiği Fransız etkisine selam göndermektedir. Molière, İtalyan commedia dell'arte ve neoklasik Fransız komedisini birleştirerek en uzun ömürlü ve en etkili satirik komedilerden bazılarını yaratarak komedinin yazılma ve oynanma biçiminde devrim yaratan dönemin en iyi komedi oyun yazarlarından biriydi. Tragedyalar da benzer şekilde siyasi iktidarı düzeltme duygusuyla muzafferdi, özellikle de Kraliyet'in yakın zamandaki Restorasyonu nedeniyle dokunaklıydı. Aynı zamanda Fransız trajedisinin de taklidiydiler, ancak Fransızlar komedi ve trajedi arasında daha büyük bir ayrım yaparken, İngilizler zaman zaman çizgileri değiştiriyor ve trajedilerine bazı komedi bölümleri koyuyorlardı. Komedi olmayan oyunların yaygın biçimleri duygusal komediler ve daha sonra tragédie bourgeoise ya da ev trajedisi olarak adlandırılacak olan bir şeydi - yani, sıradan hayatın trajedisi - İngiltere'de daha popülerdi çünkü İngiliz duyarlılıklarına daha çok hitap ediyorlardı. ⓘ

Önceleri tiyatro toplulukları genellikle seyahat ederken, ulusal tiyatro fikri 18. yüzyılda Ludvig Holberg'den ilham alarak destek kazandı. Almanya'da ulusal tiyatro fikrinin ve aynı zamanda Sturm und Drang şairlerinin en büyük destekçisi Hamburgische Entreprise ve Seyler Theatre Company'nin sahibi Abel Seyler'di. ⓘ

Estonya'nın Tartu kentindeki 1918 tarihli Vanemuine Tiyatrosu'nun "Küçük Evi". ⓘ

19. yüzyıl boyunca, Romantizm, melodram, Viktorya dönemi burleski ve Scribe ve Sardou'nun iyi yapılmış oyunlarının popüler tiyatro biçimleri yerlerini Natüralizm ve Realizmin sorunlu oyunlarına; Feydeau'nun farslarına; Wagner'in operatik Gesamtkunstwerk'ine; müzikal tiyatroya (Gilbert ve Sullivan'ın operaları dahil); F. C. Burnand'ın, W. S. Gilbert'in ve Oscar Wilde'ın salon komedileri; Sembolizm; August Strindberg ve Henrik Ibsen'in son dönem eserlerindeki proto-Ekspresyonizm; ve Edward dönemi müzikal komedisi. ⓘ

Bu eğilimler 20. yüzyıl boyunca Stanislavski ve Lee Strasberg'in gerçekçiliği, Erwin Piscator ve Bertolt Brecht'in politik tiyatrosu, Samuel Beckett ve Eugène Ionesco'nun Absürd Tiyatrosu, Amerikan ve İngiliz müzikalleri, Joan Littlewood'un Tiyatro Atölyesi gibi oyuncu ve yönetmen topluluklarının kolektif yaratımları, Robert Wilson ve Robert Lepage'ın deneysel ve postmodern tiyatrosu, August Wilson veya Tomson Highway'in postkolonyal tiyatrosu ve Augusto Boal'ın Ezilenlerin Tiyatrosu ile devam etmiştir. ⓘ

Türler

Drama

Drama, performansta temsil edilen özel bir kurgu biçimidir. Terim, "eylem" anlamına gelen Yunanca bir kelimeden gelir ve δράω, dráō, "yapmak" veya "hareket etmek" fiilinden türetilmiştir. Tiyatroda dramanın oyuncular tarafından bir sahnede seyirci önünde canlandırılması, işbirliğine dayalı üretim biçimlerini ve kolektif bir alımlama biçimini varsayar. Dramatik metinlerin yapısı, diğer edebiyat türlerinden farklı olarak, bu işbirlikçi üretim ve kolektif alımlamadan doğrudan etkilenir. Shakespeare'in erken modern tragedyası Hamlet (1601) ve Sophokles'in klasik Atina tragedyası Oedipus Rex (M.Ö. 429) drama sanatının başyapıtları arasındadır. Modern bir örnek ise Eugene O'Neill'ın Long Day's Journey into Night (1956) adlı eseridir. ⓘ

Genel olarak bir şiir türü olarak ele alınan dramatik tarz, dramatik teorinin en eski eseri olan Aristoteles'in Poetika'sından (M.Ö. 335) bu yana epik ve lirik tarzlarla karşılaştırılmıştır. "Drama "nın dar anlamda belirli bir oyun türünü belirtmek için kullanılması 19. yüzyıla dayanır. Bu anlamda drama, Zola'nın Thérèse Raquin'i (1873) ya da Çehov'un Ivanov'u (1887) gibi ne komedi ne de trajedi olan bir oyunu ifade eder. Ancak Antik Yunan'da drama kelimesi trajik, komik ya da bunların arasında kalan tüm tiyatro oyunlarını kapsıyordu. ⓘ

Drama genellikle müzik ve dansla birleştirilir: operadaki drama genellikle baştan sona söylenir; müzikaller genellikle hem sözlü diyalog hem de şarkılar içerir; ve bazı drama biçimlerinde diyaloğun altını çizen tesadüfi müzik veya müzik eşliği vardır (örneğin melodram ve Japon Nō). Tarihin belli dönemlerinde (antik Roma ve modern Romantik) bazı dramalar sahnelenmek yerine okunmak üzere yazılmıştır. Doğaçlamada, drama performans anından önce var olmaz; oyuncular dramatik bir senaryoyu seyirci önünde spontane olarak tasarlar. ⓘ

Müzikal tiyatro

Cats Londra Palladium'da ⓘ

Müzik ve tiyatro antik çağlardan bu yana yakın bir ilişki içinde olmuştur - örneğin Atina tragedyası, bazı oyuncuların yanıtları ve 'solo şarkıları' (monodiler) gibi, bölümleri söylenen (modern obua ile karşılaştırılabilir bir enstrüman olan aulos eşliğinde) bir koronun kullanıldığı bir dans-drama biçimiydi. Modern müzikal tiyatro, müzik, sözlü diyalog ve dansı birleştiren bir tiyatro biçimidir. Komik opera (özellikle Gilbert ve Sullivan), varyete, vodvil ve 19. yüzyılın sonları ile 20. yüzyılın başlarındaki müzikhol türlerinden ortaya çıkmıştır. 1890'larda başlayan Edward dönemi müzikal komedisi, 20. yüzyılın başlarındaki Prenses Tiyatrosu müzikalleri ve 1920'ler ve 1930'lardaki komedilerden (Rodgers ve Hammerstein'ın eserleri gibi) sonra, Oklahoma! (1943) ile müzikaller daha dramatik bir yöne doğru ilerledi. Sonraki yıllarda My Fair Lady (1956), West Side Story (1957), The Fantasticks (1960), Hair (1967), A Chorus Line (1975), Les Misérables (1980), Cats (1981), Into the Woods (1986) ve The Phantom of the Opera (1986) gibi ünlü müzikallerin yanı sıra Rent (1994), The Lion King (1997), Wicked (2003), Hamilton (2015) ve Frozen (2018) gibi daha güncel hitler de sahnelenmiştir. ⓘ

Müzikal tiyatro, Broadway dışında, bölgesel tiyatrolarda ve başka yerlerde samimi bir ölçekte üretilebilir, ancak genellikle gösteri içerir. Örneğin, Broadway ve West End müzikalleri genellikle milyonlarca dolarlık bütçelerle desteklenen gösterişli kostümler ve setler içerir. ⓘ

Tragedya ve Komedya tiyatro maskeleri. Mozaik, Roma sanat eseri, MS 2. yüzyıl. Capitoline Müzeleri, Roma ⓘ

Komedi

Mizahı bir hikaye anlatmak için araç olarak kullanan tiyatro yapımları komedi olarak nitelendirilir. Buna Boeing Boeing gibi modern bir fars ya da As You Like It gibi klasik bir oyun dahil olabilir. Kasvetli, tartışmalı veya tabu konuları kasıtlı olarak mizahi bir şekilde ifade eden tiyatro kara komedi olarak adlandırılır. Kara Komedi, slapstick mizah, karanlık ve alaycı komedi gibi çeşitli türlere sahip olabilir. ⓘ

Trajedi

O halde tragedya, ciddi, eksiksiz ve belli bir büyüklükte olan bir eylemin taklididir: her tür sanatsal süslemeyle bezenmiş bir dille, çeşitli türler oyunun ayrı bölümlerinde bulunur; anlatı değil eylem biçiminde; acıma ve korkunun bu duyguların uygun bir şekilde arınmasını sağlamasıyla.

- Aristoteles, Poetika ⓘ

Aristoteles'in "oyunun ayrı bölümlerinde çeşitli türler bulunur" ifadesi, dramanın yapısal kökenlerine bir göndermedir. Oyunda sözlü bölümler Attika lehçesinde yazılırken, koral (okunan ya da söylenen) bölümler Dor lehçesinde yazılmıştır; bu farklılıklar, yeni bir varlık olan tiyatro draması içinde kaynaşmış olan bölümlerin farklı dini kökenlerini ve şiirsel ölçülerini yansıtır. ⓘ

Tragedya, Batı medeniyetinin kendini tanımlamasında tarihsel olarak benzersiz ve önemli bir rol oynamış olan belirli bir drama geleneğini ifade eder. Bu gelenek çoklu ve süreksizdir, ancak terim sıklıkla kültürel kimliğin ve tarihsel sürekliliğin güçlü bir etkisini çağrıştırmak için kullanılmıştır - Raymond Williams'ın ifadesiyle "Yunanlılar ve Elizabethliler, tek bir kültürel formda; Helenler ve Hıristiyanlar, ortak bir etkinlikte". Aeschylus, Sophocles ve Euripides'in eserlerinin sadece bir kısmının günümüze ulaştığı 2500 yıl önce Atina tiyatrolarındaki belirsiz kökenlerinden Shakespeare, Lope de Vega, Racine ve Schiller'in eserlerindeki tekil eklemlenmelerine kadar, Strindberg'in daha yakın tarihli natüralist trajedisine, Beckett'in ölüm, kayıp ve acı üzerine modernist meditasyonlarına ve Müller'in trajik kanonu postmodernist bir şekilde yeniden ele almasına kadar, trajedi önemli bir kültürel deney, müzakere, mücadele ve değişim alanı olmaya devam etmiştir. Aristoteles'in Poetika'sından (M.Ö. 335) sonra trajedi, ister genel olarak şiir ölçeğinde (trajik olanın epik ve lirik olana karşı ayrıldığı) isterse de dram ölçeğinde (trajedinin komediye karşı çıktığı) tür ayrımları yapmak için kullanılmıştır. Modern çağda trajedi, drama, melodram, trajikomik ve epik tiyatroya karşı da tanımlanmıştır. ⓘ

Doğaçlama

Doğaçlama, on altıncı yüzyıldaki Commedia dell'arte'nin ilk doğaçlama formu olarak kabul edilmesiyle birlikte tiyatronun değişmez bir özelliği olmuştur. Nobel Ödüllü Dario Fo ve Upright Citizens Brigade gibi topluluklar tarafından popülerleştirilen doğaçlama tiyatro, birçok farklı akım ve felsefeyle gelişmeye devam ediyor. Keith Johnstone ve Viola Spolin modern zamanlarda doğaçlamanın ilk öğretmenleri olarak kabul edilir; Johnstone doğaçlamayı senaryolu tiyatroya bir alternatif olarak keşfederken, Spolin ve ardılları doğaçlamayı esas olarak dramatik çalışma veya becerileri geliştirmek için bir araç veya durum komedisi için bir form olarak keşfetmişlerdir. Spolin ayrıca doğaçlama öğrenme sürecinin insan potansiyelinin gelişimine nasıl uygulanabileceğiyle de ilgilenmeye başladı. Spolin'in oğlu Paul Sills, ilk yöneticisi olarak Chicago'da Second City'yi kurduğunda doğaçlama tiyatroyu bir tiyatro sanatı formu olarak popülerleştirdi. ⓘ

Teoriler

Tiyatro gösterisi eşliğinde köy ziyafeti 1600 civarı ⓘ

İki bin beş yüz yılı aşkın bir süredir insanlık kültürünün önemli bir parçası olan tiyatro, çok çeşitli teori ve uygulamalar geliştirmiştir. Bazıları siyasi veya ruhani ideolojilerle ilişkiliyken, diğerleri tamamen "sanatsal" kaygılara dayanmaktadır. Bazı süreçler bir hikayeye, bazıları bir olay olarak tiyatroya, bazıları da sosyal değişim için bir katalizör olarak tiyatroya odaklanır. Klasik Yunan filozofu Aristoteles'in Poetika (M.Ö. 335) adlı ufuk açıcı eseri, günümüze kadar ulaşan en eski örnektir ve argümanları o zamandan beri tiyatro teorilerini etkilemiştir. Bu eserde, "şiir" (Yunanca'da kelimenin tam anlamıyla "yapma" anlamına gelen ve bu bağlamda drama-komedya, trajedi ve satir oyununun yanı sıra lirik şiir, epik şiir ve dithyramb'ı da içeren bir terim) olarak adlandırdığı şeyin bir açıklamasını sunar. "İlk ilkelerini" inceler ve türlerini ve temel unsurlarını tanımlar; tragedya analizi tartışmanın özünü oluşturur. ⓘ

Aristoteles tragedyanın (önem sırasına göre) mitos ya da "olay örgüsü", ethos ya da "karakter", dianoia ya da "düşünce", lexis ya da "diksiyon", melos ya da "şarkı" ve opsis ya da "gösteri" olmak üzere altı niteliksel bölümden oluştuğunu savunur. Marvin Carlson, "Aristoteles'in Poetika'sı Batı eleştiri geleneğinde evrensel olarak kabul görse de," diye açıklıyor, "onun ufuk açıcı eseriyle ilgili neredeyse her ayrıntı farklı görüşlere yol açmıştır." Yirminci yüzyılın önemli tiyatro uygulayıcıları arasında Konstantin Stanislavski, Vsevolod Meyerhold, Jacques Copeau, Edward Gordon Craig, Bertolt Brecht, Antonin Artaud, Joan Littlewood, Peter Brook, Jerzy Grotowski, Augusto Boal, Eugenio Barba, Dario Fo, Viola Spolin, Keith Johnstone ve Robert Wilson (yönetmen) sayılabilir. ⓘ

Stanislavski, tiyatroyu edebiyattan özerk bir sanat biçimi olarak ele almış ve oyun yazarının katkısının yaratıcı sanatçılar topluluğundan yalnızca birinin katkısı olarak saygı görmesi gerektiğini savunmuştur. Modern oyunculuk teorisine yaptığı yenilikçi katkı, geçtiğimiz yüzyılın büyük bir bölümünde ana akım batı performans eğitiminin merkezinde yer aldı. Onun oyuncu eğitimi sisteminin birçok ilkesinin sağduyulu ve apaçık görünmesi, hegemonik başarısını kanıtlamaktadır. Oyuncular sıklıkla onun temel kavramlarını farkında olmadan kullanırlar. Stanislavski'nin 'sistemi', eski öğrencileri olan oyunculuk öğretmenleri tarafından desteklenmesi ve detaylandırılması ve teorik yazılarının birçok kez çevrilmesi sayesinde, kültürel sınırları aşma konusunda benzeri görülmemiş bir yetenek kazandı ve uluslararası bir erişim geliştirerek Avrupa ve Amerika Birleşik Devletleri'ndeki oyunculuk tartışmalarına hakim oldu. Birçok oyuncu onun 'sistemini' rutin olarak Kuzey Amerika Metodu'yla bir tutar, ancak bu metodun sadece psikolojik teknikleri Stanislavski'nin karakteri ve eylemi hem 'içten dışa' hem de 'dıştan içe' araştıran ve oyuncunun zihnini ve bedenini bir sürekliliğin parçaları olarak ele alan çok değişkenli, bütünsel ve psikofiziksel yaklaşımıyla keskin bir tezat oluşturur. ⓘ

Teknik yönler

Viyana Devlet Operası'nın kulisinde bir tiyatro sahne binası ⓘ

Tiyatro, işbirliğine dayalı üretim biçimlerini ve kolektif bir alımlama biçimini varsayar. Dramatik metinlerin yapısı, diğer edebiyat türlerinden farklı olarak, bu işbirlikçi üretim ve kolektif alımlamadan doğrudan etkilenir. Oyunların prodüksiyonu genellikle bir oyun yazarı, yönetmen, bir oyuncu kadrosu ve bir sahne veya set tasarımcısı, ışık tasarımcısı, kostüm tasarımcısı, ses tasarımcısı, sahne amiri, prodüksiyon amiri ve teknik direktörden oluşan bir teknik prodüksiyon ekibinin katkılarını içerir. Yapıma bağlı olarak bu ekipte besteci, dramaturg, video tasarımcısı veya dövüş yönetmeni de yer alabilir. ⓘ

Finlandiya'nın Tampere kentindeki açık hava Pyynikki Yaz Tiyatrosu'nun dönen oditoryumu ⓘ

Sahne tekniği, tiyatro, film ve video prodüksiyonunun teknik yönlerini ifade eden genel bir terimdir. Sahnenin inşası ve donatılması, ışığın asılması ve odaklanması, kostümlerin tasarımı ve tedariki, makyaj, aksesuarların tedariki, sahne yönetimi ve sesin kaydedilmesi ve karıştırılmasını içerir, ancak bunlarla sınırlı değildir. Sahne yönetimi, daha geniş bir şemsiye terim olan senografiden farklıdır. Sanatsal bir alandan ziyade teknik bir alan olarak kabul edilir ve öncelikle bir tasarımcının sanatsal vizyonunun pratikte uygulanmasıyla ilgilidir. ⓘ

En temel haliyle sahne yönetimi, tüm dekor, kostüm, ışık ve sesi düzenleyen ve oyuncu kadrosunu organize eden tek bir kişi (genellikle daha küçük bir prodüksiyonun sahne amiri) tarafından yönetilir. Daha profesyonel bir düzeyde, örneğin modern Broadway evlerinde, sahne yönetimi yüzlerce yetenekli marangoz, boyacı, elektrikçi, sahne işçisi, dikişçi, perukçu ve benzerleri tarafından yönetilir. Sahne sanatının bu modern biçimi son derece teknik ve uzmanlık gerektiren bir alandır: pek çok alt disiplini ve geniş bir tarih ve gelenek hazinesini içerir. Sahne sanatlarının çoğunluğu bu iki uç arasında yer alır. Bölge tiyatroları ve daha büyük topluluk tiyatroları genellikle bir teknik yönetmene ve her biri kendi tasarımlarında doğrudan parmağı olan bir tasarımcı kadrosuna sahip olacaktır. ⓘ

Alt kategoriler ve organizasyon

Tiyatro üretimini çeşitli şekillerde sürdüren birçok modern tiyatro hareketi vardır. Tiyatro girişimleri, karmaşıklık ve amaç bakımından muazzam çeşitlilik gösterir. Tiyatroya dahil olan kişiler acemilerden ve hobicilerden (topluluk tiyatrosunda) profesyonellere (Broadway ve benzeri prodüksiyonlarda) kadar çeşitlilik göstermektedir. Tiyatro, çok küçük bir bütçeyle ya da milyonlarca dolarlık bütçelerle büyük ölçekte gerçekleştirilebilir. Bu çeşitlilik, tiyatronun alt kategorilerinin bolluğunda kendini gösterir:

• Broadway tiyatrosu ve West End tiyatrosu
• Sokak tiyatrosu
• Toplum Tiyatrosu
• Playback tiyatro
• Akşam yemeği tiyatrosu
• Fringe tiyatro
• Off-Broadway ve Off West End
• Off-Off-Broadway
• Amerika Birleşik Devletleri'nde bölgesel tiyatro
• Turne tiyatrosu
• Yaz stok tiyatrosu ⓘ

Repertuar şirketleri

Kraliyet Tiyatrosu, Drury Lane, Londra, yaklaşık 1821 ⓘ

Çoğu modern tiyatro topluluğu bir seferde tek bir tiyatro eserini prova eder, o eseri belirli bir "çalışma" için sergiler, eseri emekliye ayırır ve yeni bir gösterinin provasına başlarken, repertuvar toplulukları aynı anda birden fazla gösteriyi prova eder. Bu şirketler, talep üzerine bu çeşitli eserleri sergileyebilir ve genellikle eserleri emekliye ayırmadan önce yıllarca sergileyebilirler. Çoğu dans topluluğu bu repertuvar sistemiyle çalışır. Londra'daki Kraliyet Ulusal Tiyatrosu da repertuar sistemiyle çalışır. ⓘ

Repertuar tiyatrosu genellikle benzer şekilde başarılı bir grup oyuncuyu içerir ve bireysel bir yıldız oyuncudan ziyade grubun itibarına dayanır. Ayrıca tipik olarak bir yönetmenin sıkı kontrolüne ve tiyatro geleneklerine bağlılığa daha az dayanır, çünkü birden fazla yapımda birlikte çalışan oyuncular geleneklere veya dış yönlendirmeye çok fazla güvenmeden birbirlerine yanıt verebilirler. ⓘ

Yapımcılık ve sunuculuk

Modern bir tiyatro olan Teatro Colón'un iç mekanı ⓘ

Bir tiyatro eserini sahnelemek için hem bir tiyatro şirketine hem de bir tiyatro mekanına ihtiyaç vardır. Bir tiyatro şirketi bir tiyatro mekanında yerleşik tek şirket olduğunda, bu tiyatro (ve ilgili tiyatro şirketi) yerleşik tiyatro veya yapımcı tiyatro olarak adlandırılır, çünkü mekan kendi işlerini üretir. Kendilerine ait bir tiyatro mekânı olmayan diğer tiyatro toplulukları ve dans toplulukları, kiralık tiyatrolarda ya da sunum yapan tiyatrolarda sahne alırlar. Hem kiralık hem de sunum yapan tiyatroların tam zamanlı yerleşik toplulukları yoktur. Bununla birlikte, bazen bir ya da daha fazla yarı zamanlı yerleşik şirkete ve müsait olduğunda mekanı kullanmak üzere ayarlanan diğer bağımsız ortak şirketlere sahiptirler. Kiralık bir tiyatro bağımsız şirketlerin mekanı aramasına izin verirken, sunum yapan bir tiyatro bağımsız şirketleri sahnelerinde sunarak çalışmalarını desteklemek için arar. ⓘ

Bazı performans grupları tiyatro dışı alanlarda performans sergiler. Bu tür performanslar dışarıda veya içeride, geleneksel olmayan bir performans alanında gerçekleştirilebilir ve sokak tiyatrosu ve mekana özgü tiyatroyu içerir. Geleneksel olmayan mekanlar, izleyiciler için daha sürükleyici veya anlamlı ortamlar yaratmak için kullanılabilir. Bu mekanlar bazen geleneksel tiyatro mekanlarından daha fazla modifiye edilebilir veya farklı türde ekipman, ışıklandırma ve setleri barındırabilir. ⓘ

Bir turne şirketi, genellikle uluslararası seyahat eden ve her şehirde farklı bir tiyatroda sergilenen bağımsız bir tiyatro veya dans şirketidir. ⓘ

Birlikler

Aşağıdakiler de dahil olmak üzere birçok tiyatro sendikası vardır: Actors' Equity Association (AEA, oyuncular ve sahne yöneticileri için), Stage Directors and Choreographers Society (SDC) ve International Alliance of Theatrical Stage Employees (IATSE, tasarımcılar ve teknisyenler için). Birçok tiyatro, personelinin bu kuruluşlara üye olmasını şart koşmaktadır. ⓘ

Ayrıca bakınız

• Oyunculuk
• Teatrallik Karşıtlığı
• Siyah ışık tiyatrosu
• Mutfak tiyatrosu
• İllüzyonist gelenek
• Tiyatro alanındaki ödüllerin listesi
• Oyun yazarları listesi
• Tiyatro personelinin listesi
• Tiyatro festivalleri listesi
• Tiyatro yönetmenleri listesi
• Tiyatroların listeleri
• Performans sanatı
• Kuklacılık
• Okuyucu tiyatrosu
• Mekana özgü tiyatro
• Tiyatro danışmanı
• Gelişim için tiyatro
• Tiyatro (yapı)
• Tiyatro tekniği
• Teatral tarz
• Tiyatro Topluluğu
• Dünya Tiyatro Günü ⓘ

Genel kaynaklar

• Banham, Martin, ed. (1998) [1995]. The Cambridge Guide to Theatre. Cambridge: Cambridge Üniversitesi Yayınları. ISBN 0-521-43437-8.
• Beacham, Richard C. (1996). Roma Tiyatrosu ve Seyircisi. Cambridge, MA: Harvard Üniversitesi Yayınları. ISBN 978-0-674-77914-3.
• Benedetti, Jean (1999) [1988]. Stanislavski: Yaşamı ve Sanatı (Gözden geçirilmiş baskı). Londra: Methuen. ISBN 0-413-52520-1.
• Benedetti, Jean (2005). Aktörün Sanatı: Klasik Dönemden Günümüze Oyunculuğun Temel Tarihi. Londra: Methuen. ISBN 0-413-77336-1.
• Benedetti, Jean (2008). Dacre, Kathy; Fryer, Paul (eds.). Stanislavski Sahnede. Sidcup, Kent: Stanislavski Centre Rose Bruford College. s. 6-9. ISBN 978-1-903454-01-5.
• Black, Joseph, ed. (2010) [2006]. Broadview İngiliz Edebiyatı Antolojisi: Cilt 3: Restorasyon ve On Sekizinci Yüzyıl. Kanada: Broadview Press. ISBN 978-1-55111-611-2.
• Brandon, James R. (1993) [1981]. "Giriş". Baumer, Rachel Van M.; Brandon, James R. (eds.) içinde. Sanskrit Tiyatrosunda Performans. Delhi: Motilal Banarsidass. s. xvii-xx. ISBN 978-81-208-0772-3.
• Brandon, James R., ed. (1997). The Cambridge Guide to Asian Theatre (2., gözden geçirilmiş baskı). Cambridge: Cambridge Üniversitesi Yayınları. ISBN 978-0-521-58822-5.
• Brockett, Oscar G. & Hildy, Franklin J. (2003). Tiyatro Tarihi (Dokuzuncu, Uluslararası ed.). Boston: Allyn ve Bacon. ISBN 0-205-41050-2.
• Brown, Andrew (1998). "Yunanistan, Antik". Banham, Martin (ed.) içinde. The Cambridge Guide to Theatre (Gözden geçirilmiş baskı). Cambridge: Cambridge University Press. pp. 441-447. ISBN 0-521-43437-8.
• Burt, Daniel S. (2008). The Drama 100: A Ranking of the Greatest Plays of All Time. New York: Facts on File. ISBN 978-0-8160-6073-3.
• Carlson, Marvin (Güz 1986). "Psychic Polyphony". Journal of Dramatic Theory and Criticism: 35-47.
• Carlson, Marvin (1993). Tiyatro Kuramları: A Historical and Critical Survey from the Greeks to the Present (Genişletilmiş baskı). Ithaca ve Londra: Cornell Üniversitesi Yayınları. ISBN 0-8014-8154-6.
• Carnicke, Sharon Marie (1998). Stanislavsky in Focus. Rus Tiyatro Arşivi serisi. Londra: Harwood Academic Publishers. ISBN 90-5755-070-9.
• Cartledge, Paul (1997). "'Derin Oyunlar': Yunan Sivil Yaşamında Süreç Olarak Tiyatro". Easterling, P. E. (ed.) içinde. The Cambridge Companion to Greek Tragedy. Cambridge Companions to Literature serisi. Cambridge: Cambridge University Press. pp. 3-35. ISBN 0-521-42351-1.
• Counsell, Colin (1996). Performans İşaretleri: Yirminci Yüzyıl Tiyatrosuna Giriş. Londra ve New York: Routledge. ISBN 978-0-415-10643-6.
• Deal, William E. (2007). Ortaçağ ve Erken Modern Japonya'da Yaşam El Kitabı. Oxford: Oxford Üniversitesi Yayınları. ISBN 978-0-19-533126-4.
• Duchartre, Pierre Louis (1966) [1929]. İtalyan Komedisi: Commedia dell'Arte'nin Ünlü Karakterlerinin Doğaçlama Senaryoları Yaşamları Nitelikleri Portreleri ve Maskeleri. Randolph T. Weaver tarafından çevrilmiştir. New York: Dover Publications. ISBN 0-486-21679-9.
• Dukore, Bernard F., ed. (1974). Dramatik Kuram ve Eleştiri: Greklerden Grotowski'ye. Florence, KY: Heinle & Heinle. ISBN 978-0-03-091152-1.
• Elam, Keir (1980). Tiyatro ve Drama Göstergebilimi. New Accents serisi. Londra ve New York: Routledge. ISBN 978-0-415-03984-0.
• Fergusson, Francis (1968) [1949]. Bir Tiyatro Fikri: A Study of Ten Plays, The Art of Drama in a Changing Perspective. Princeton, NJ: Princeton Üniversitesi Yayınları. ISBN 0-691-01288-1.
• Gassner, John & Allen, Ralph G. (1992) [1964]. Yapım Aşamasında Tiyatro ve Drama. New York: Applause Books. ISBN 1-55783-073-8.
• Gauss, Rebecca B. (1999). Lear'ın Kızları: Moskova Sanat Tiyatrosu Stüdyoları 1905-1927. American University Studies, Ser. 26 Tiyatro Sanatları. Cilt 29. New York: Peter Lang. ISBN 978-0-8204-4155-9.
• Goldhill, Simon (1997). "The Audience of Athenian Tragedy". Easterling, P. E. (ed.) içinde. The Cambridge Companion to Greek Tragedy. Cambridge Companions to Literature serisi. Cambridge: Cambridge University Press. pp. 54-68. ISBN 0-521-42351-1.
• Goldhill, Simon (2004). "Program Notları". Goldhill, Simon; Osborne, Robin (eds.) içinde. Performance Culture and Athenian Democracy (New ed.). Cambridge: Cambridge University Press. s. 1-29. ISBN 978-0-521-60431-4.
• Gordon, Mel (1983). Lazzi: The Commedia dell'Arte'nin Komik Rutinleri. New York: Sahne Sanatları Dergisi. ISBN 0-933826-69-9.
• Gordon, Robert (2006). Oyunun Amacı: Modern Oyunculuk Teorileri Perspektifinde. Ann Arbor: Michigan Üniversitesi Yayınları. ISBN 978-0-472-06887-6.
• Aristoteles (1987). Tractatus Coislinianus ile Poetika, Poetika II'nin Yeniden İnşası ve Şairler Üzerine Fragmanlar. Çeviren: Janko, Richard. Cambridge: Hackett. ISBN 978-0-87220-033-3.
• Johnstone, Keith (2007) [1981]. Impro: Improvisation and the Theatre (gözden geçirilmiş baskı). Londra: Methuen. ISBN 978-0-7136-8701-9.
• Jones, John Bush (2003). Müzikallerimiz, Kendimiz: Amerikan Müzikal Tiyatrosunun Sosyal Tarihi. Hanover: Brandeis Üniversitesi Yayınları. ISBN 1-58465-311-6.
• Kovacs, David (2005). "Metin ve İletim". Gregory, Justina (ed.) içinde. A Companion to Greek Tragedy. Blackwell Companions to the Ancient World serisi. Malden, MA ve Oxford: Blackwell. pp. 379-393. ISBN 1-4051-7549-4.
• Kuritz, Paul (1988). Tiyatro Tarihinin Oluşumu. Englewood Cliffs, NJ: Prentice Hall. ISBN 978-0-13-547861-5.
• Leach, Robert (2004). Modern Tiyatronun Yaratıcıları: Bir Giriş. Londra: Routledge. ISBN 978-0-415-31241-7.
• Ley, Graham (2007). Yunan Tragedyasının Teatralliği: Oyun Alanı ve Koro. Chicago ve Londra: Chicago Üniversitesi Yayınları. ISBN 978-0-226-47757-2.
• Milling, Jane; Ley, Graham (2001). Modern Performans Kuramları: Stanislavski'den Boal'a. Basingstoke, Hampshire ve New York: Palgrave. ISBN 978-0-333-77542-4.
• Moreh, Shmuel (1986). "Ortaçağ İslamında Canlı Tiyatro". Sharon, Moshe (ed.) içinde. Studies in Islamic History and Civilization in Honour of Professor David Ayalon. Cana, Leiden: Brill. s. 565-601. ISBN 965-264-014-X.
• Pavis, Patrice (1998). Tiyatro Sözlüğü: Terimler, Kavramlar ve Analiz. Christine Shantz tarafından çevrilmiştir. Toronto ve Buffalo: Toronto Üniversitesi Yayınları. ISBN 978-0-8020-8163-6.
• Pelling, Christopher (2005). "Tragedya, Retorik ve Performans Kültürü". Gregory, Justina (ed.) içinde. A Companion to Greek Tragedy. Blackwell Companions to the Ancient World serisi. Malden, MA ve Oxford: Blackwell. s. 83-102. ISBN 1-4051-7549-4.
• Peterson, Richard A. (1982). "Kültür Üretiminde Beş Kısıtlama: Hukuk, Teknoloji, Piyasa, Örgütsel Yapı ve Mesleki Kariyerler". Popüler Kültür Dergisi. 16 (2): 143–153. doi:10.1111/j.0022-3840.1982.1451443.x.
• Pfister, Manfred (2000) [1977]. Drama Teorisi ve Analizi. European Studies in English Literature serisi. John Halliday tarafından çevrilmiştir. Cambridige: Cambridge Üniversitesi Yayınları. ISBN 978-0-521-42383-0.
• Rehm, Rusj (1992). Yunan Trajik Tiyatrosu. Tiyatro Prodüksiyon Çalışmaları. Londra ve New York: Routledge. ISBN 0-415-11894-8.
• Richmond, Farley (1998) [1995]. "India". Banham, Martin (ed.) içinde. The Cambridge Guide to Theatre. Cambridge: Cambridge University Press. pp. 516-525. ISBN 0-521-43437-8.
• Richmond, Farley P.; Swann, Darius L. & Zarrilli, Phillip B., eds. (1993). Hint Tiyatrosu: Performans Gelenekleri. Hawaii Üniversitesi Yayınları. ISBN 978-0-8248-1322-2.
• Spolin, Viola (1999) [1963]. Improvisation for the Theatre (Üçüncü baskı). Evanston, Il: Northwestern University Press. ISBN 0-8101-4008-X.
• Styan, J. L. (2000). Drama: Oyun Çalışmaları için Bir Kılavuz. New York: Peter Lang. ISBN 978-0-8204-4489-5.
• Taxidou, Olga (2004). Tragedya, Modernite ve Yas. Edinburgh: Edinburgh Üniversitesi Yayınları. ISBN 0-7486-1987-9.
• Teachout, Terry (13 Aralık 2021). "2021'in En İyi Tiyatrosu: Perde Yeniden Yükseliyor". Wall Street Journal. orangepolly. Erişim tarihi: 3 Mart 2022.
• Ward, A.C (2007) [1945]. İngiliz Dramatik Eleştiri Örnekleri XVII-XX Yüzyıllar. The World's Classics serisi. Oxford: Oxford University Press. ISBN 978-1-4086-3115-7.
• Webster, T. B. L. (1967). "Tragedya ve Satir Oyunlarını Gösteren Anıtlar". Bulletin of the Institute of Classical Studies (Supplement, with appendix) (second ed.). Londra Üniversitesi (20): iii-190.
• Williams, Raymond (1966). Modern Tragedya. Londra: Chatto & Windus. ISBN 0-7011-1260-3. ⓘ

Tarihi

Günümüz Tiyatrosu

Modern tiyatroya damgasını vuran önemli isimlerden biri belki de Konstantin Stanislavski'dir. 19. yüzyılın sonlarına doğru "sihirli eğer" diye bilinen oyunculuk kuramını geliştiren Stanislavski özellikle gerçekçi akıma yön vermiştir. Söz konusu kuramda, oyunculardan kendilerini, canlandırdıkları karakterlerin yerlerine koymalarını ve bu şekilde seyirciye söz konusu duyguları vermeleri beklenmektedir. ⓘ

Türleri

Tiyatro eserleri müziksiz trajedi, komedi, drama ve müzikli (opera, operet, müzikal, pandomim, bale, revü, skeç, tuluat) olmak üzere iki grupta toplanır. Edebî türler içinde en canlı ve yaşama en yakın olanı tiyatrodur. ⓘ

Drama

Trajediyle komediyi bir araya getiren tiyatro türüdür. Modern tiyatronun sürekli olarak aristokrat zümrenin yaşayışını veya sadece hayatın gülünç taraflarının sahneye konmasını yeterli bulmayarak hayatı birçok tarafıyla temsil etme arzusundan doğmuştur. ⓘ

Dram, düzyazı ve şiirsel hâlde yazılabildiği gibi üç perdeden beş perdeye kadar olabilir. Üç birlik kuralını tamamen reddeder. İnsani temalardan çok toplumcu ve millî konuları işler. Konular da çok çeşitli olabilir. En kanlı ve çirkin ya da gerçekçi olayları seyirciye göstermekten çekinmez. ⓘ

Konuları tarihten ve hayatın acıklı veya gülünç, çirkin veya güzel hemen her olayından alınabilen dramda kader, umut, neşe, aşk, kuşku, tasa, facia ve komik davranışlar bir arada bulunabilir. Kahramanları her sınıftan (halk - soylu ayrımı gözetmeksizin) seçilebilir. Her türlü karaktere yer verilir. Dram eserleri gerçekleri göstermeyi amaçlamışlardır. ⓘ

Dramın ciddi ve ağırbaşlı yazılmış şekline “piyes”, duygulandırıcı ve fazla heyecan verici olanına “melodram” denir. Melodram müzikli oyun demektir, yalnız günümüzde müzik kısmı atılmıştır. Bununla birlikte yine dram türlerinden olan "feeri" ise bir masalın sahneye konulmuş şeklidir. Kahramanları cin, peri, dev gibi düşsel varlıklardır. Olayın geçtiği yer ve zaman belli değildir. ⓘ

Komedi

• Hayatın ve insanların gülünç yanlarının sergilenmesine dayanan komedyada amaç, seyirciyi güldürürken düşündürmektir.
• Güldürmek esasına dayanıldığından üslupta bir serbestlik göze çarpar. Her türlü kaba söze ve şakaya yer verilir.
• Kahramanlar genellikle halkın arasından seçilir.
• Konular günlük hayattan alınır.
• Kavga, yaralama gibi eylemler sahnede canlandırılır.
• Diyalog ve koronun birbirini takip ettiği komedyada beş bölüm ara verilmeksizin oynanır.
• Üç birlik (bir olay, bir gün, bir mekân) kuralına uygun yazılır.
• Manzum olarak düzenlenir.

Eski Yunan'da komedya türünde ön plana çıkan şairler, Aristophanes ve Menandros'tur. Latin edabiyatında Plautus, komedi türünde eserler yazmıştır. Moliere ise bu türde çok başarılı ürünler vermiştir. Fransız oyuncudur. Komedi, içeriğine göre üç gruba ayrılır:

1. Töre Komedisi
2. Entrika Komedisi
3. Karakter Komedisi ⓘ

1. Töre komedisi: Toplumun eksik, aksak yönlerini, töre ve geleneklerdeki tutarsızlık ve yanlışları eleştirel bir dille ele alan oyunlardır.
2. Entrika Komedisi: Şaşırtmaca ve kandırmacaya dayanan bir komedi türüdür. Merak ögesinin ön planda olduğu bu komediler, insanların birbirini aldatma çabalarıyla doğan gülünçlükleri ele alır.
3. Karakter Komedisi: İnsan karakterlerindeki gülünçlükleri ele alır. Daha çok tiplerin kahraman olarak işlendikleri oyunlardır. Bir kahramanın bir karakter özelliği abartılarak sunulur. Açgözlülük, cimrilik, kıskançlık, duygusallık gibi özellikler ve bunların doğurduğu gülünç durumlar anlatılır.

Moliere'in “Cimri”, Shakespeare'in “Venedik Taciri” oyunları karakter komedisine örnektir. ⓘ

Opera

Opera, insanların konuşmak yerine tiyatro oyununu şarkı söyleyerek sahneye koymasıdır. Operanın tiyatrodan ayrılan başlıca özelliği, bir müzik bölümünün de bulunmasıdır. ⓘ

Pandomim

Düşünce ve duyguları müzik veya türlü eşyalar eşliğinde bazen dansla, bazen de gövde ve yüz hareketleriyle yansıtmayı hedefleyen sözsüz oyun türüdür. Yüz mimikleri, el, kol ve beden hareketleri kullanılarak tema anlatılmaya çalışılır. Pandomim, evrensel bir tiyatro dili sayılır. ⓘ

Tuluat

Tiyatro çeşitlerinden biridir. Sanatçılar, oynadıkları eserin konusuna bağlıdır; ama oyundaki sözleri içlerinden geldiği gibi söyleyerek doğaçlama yaparlar. Yazılı esere uymak mecburiyetleri yoktur. Perdeli orta oyunu da denir. ⓘ

Operet

Sözlerinin müziksiz kısımları müziklerden çok olan tiyatro eserleridir. Halka hitap etmek için yazılır. Operetlerde renk, ışık, kıyafetler ve dans en göze çarpıcı şekilde kullanılır. ⓘ

Müzikal

Kendine özgü, yalın bir olay örgüsü olan, müzik, dans ve diyalogların olaylarla bütünleştiği duygusal ve eğlendirici sahne gösterisi ya da oyundur. ⓘ

Bale

Müzikli, dansın daha çok öne çıktığı, daha çok lirik ve dram arası bir temada oynanan oyunlardır. Diğerlerine nazaran estetiğe daha çok önem verilir. ⓘ

Revü

Olaylı eleştirili yapılan tiyatro türüdür. Konu açısından bir bütünlüğü olmayan, birbirlerine gevşekçe bağlanmış, kendi başlarına anlamlı olan, tablolardan kurulu, ezgi, monolog, skeç, dans ve karşılıklı nükteli konuşmalardan oluşan bir gösteri biçimidir. ⓘ

Galeri

• 

  İzmir'in Selçuk bölgesinde bulunan Efes Antik Tiyatrosu

• 

  Bodrum tiyatrosu

• 

  Aspendos tiyatrosu, Antalya ⓘ